Benicio en Cannes

Ai, si tenía que haber un año para ir a Cannes desde luego el perfecto hubiera sido este 2008. Si cuando yo decía que este iba a ser su año no iba nada desencaminada... en fin que Benicio tendrá que esperar a otra edición de Cannes para conocerme, mala suerte.

Ayer se entregaron las Palmas de Oro en el festival de cine más importante del mundo y, mientras la Palma de Oro a la mejor película fue a parar a un largometraje sorprendente pero que no figuraba como favorito, la película francesa Entre les murs, la Palma de Oro al mejor actor siguió todos los pronósticos y fue a parar al actor portorriqueño por su caracterización como Che Guevara en la doble película de Soderbergh.

Próximamente más detalles...

Lars y Ryan Gosling

A falta de pan, buenas son tortas.

Y a falta de tiempo para hacer una crítica en condiciones de una película maravillosa y muy recomendable como es "Lars y una chica de verdad", pongo ahora un breve video de promoción de esa película en la que el protagonista Ryan Gosling canta "a su amor". Disfrutenlo!!

Comienza Cannes!!!!

La 61 edición del prestigioso festival de cine está ya poniendo los motores en marcha para abrir sus puertas a la competición el próximo 14 de mayo (hasta el día 25). Y este miércoles pasado lo hizo mediante una conferencia de prensa donde se anunció quién será el jurado en cada sección.

Este año será el actor y director Sean Penn el presidente del jurado en la sección de mejor película. Entre otros miembros del jurado también destacan el director mexicano Alfonso Cuarón y la actriz Natalie Portman.

En competición por la palma de oro tendremos la última película de Clint Eastwood, Changeling (protagonizada por Angelina Jolie) pero también una de las dos películas que más ganas tengo de ver desde hace siglos: la primera parte de la historia filmada del Che Guevara, protagonizada por (mi adorado) Benicio del Toro y dirigida por Steven Soderbergh.

Benicio del Toro en su papel del Che Guevara en la película de Soderbergh

Y a Soderbergh también se le verá en Cannes para presentar, esta fuera de concurso eso sí, la última entrega de Indiana Jones (protagonizada por el mismo Harrison Ford, solo que unos pocos años mayor). Fuera de categoría también está esa película que se ha paseado por media España (Asturias y Barcelona), dirigida por Woody Allen y protagonizada por Javier Bardem, Scarlett Johanson y Penélope Cruz; Vicky Cristina Barcelona (titulo horroroso, si alguien quiere mi opinión…).

Que bonito Cannes… ojalá este seguimiento que haré del festival pudiera ser en directo desde allí…

las mejores y peores películas de libro

¿Cuántas películas son adaptaciones de un libro? ¿Cuántos libros se convierten en película? Hoy, día mundial del libro quiero dedicarles un huequecito a las que considero que son la mejor y la peor película adaptación de una novela. Es una selección totalmente subjetiva y realmente tampoco llevo tantas películas (ni tantos libros) como para afirmar a ciencia cierta que esa y no otra es la mejor película basada en un libro, por eso desde mi modesto punto de vista y confiando en que mi selección mejore en los próximos años, estas son las películas seleccionadas:

PEOR ADAPTACIÓN: Cumbres borrascosas (1939)

A todos aquellos que repiten hasta la saciedad que no hay nada como el cine antiguo y que el cine de hoy en día tan solo se dedica a malcopiar los libros para que la gente no los lea les invito a que se lean Cumbres borrascosas de la escritora inglesa Emilie Brontë y que luego se vean esta adaptación dirigida por William Wyler y protagonizada por Laurence Olivier.

Cumbres borrascosas es una historia de un amor complicado, de personajes complicados en situaciones adversas, contada en 34 capítulos. La película solo cuenta los 16 primeros. Primera conclusión: Se come más de la mitad de la historia. ¿Cómo se puede hacer una adaptación de una película si solo llegas hasta la mitad del libro? Si al menos se contaran bien esos primeros capítulos, todavía pase, pero muchos de los personajes que se desarrollan en la novela (Hareton, Linton, Catherine… la segunda generación, vaya) comienzan a formarse antes de llegar a ese corte realizado en el film, pero como no se querían desarrollar porque no se iba a hacer más allá de la mitad del libro, directamente se los cargan.

Por lo tanto, en una novela en la que teníamos una historia dominada mayoritariamente por dos personajes pero muy bien apoyados por los llamados secundarios, pasamos a una película exclusivamente de dos. ¿Y esto que hace? Que se convierta en una historia monótona y aburrida y que encima el guión se vea obligado a dar unos giros inesperados en aquellos lugares donde deberían estar ciertos personajes a los que se omitió.

Otro gran problema que se suma a la tala indiscriminada de personajes secundarios es que a los principales les falta la chicha que tenían en el libro. Quizá Cathy expresa correctamente la desesperanza y la histeria de la chica y no está mal del todo, pero Heathcliff… o Heathcliff!! Laurence Olivier no es el personaje de Brontë, ese no es Heathcliff, un hombre atormentado, huraño, meticuloso, malvado, rencoroso. El Heathcliff del libro es el antiheroe que se queda con la historia y atrapa al lector, que no sabe si sentir hacia él cariño, admiración u odio. El Heathcliff de la película, sin embargo, es mucho más benévolo y más soso y su relación con Cathy no se puede catalogar de otra forma que de ñoña (ñoña, que no romántica, ni tierna, ni pasional… ñoña, adjetivo que se aleja por completo del personaje de la novela).

Y todo eso sin contar el (desastre de) final. Un final totalmente inventado, fruto de ese lapsus de 18 capítulos que intenta acabar de forma “bonita y rosa” una historia que a todas luces nunca lo ha sido.

Total, que dudo mucho que si Emilie Brontë levantara la cabeza y viera la película le gustara el resultado.

Mejor adaptación: Romeo + Julieta (1996)

Esta es probablemente una de las historias más conocidas mundialmente y la obra por excelencia del teatro inglés (junto con cualquiera de Shakespeare) pero esta versión de Baz Lurhmann supera con creces la originalidad de cualquier otra.

Por un lado, cambia el escenario de la historia y lo traslada de la Verona original a un lugar inventado llamado “Venice Beach” en Estados Unidos. Pero sin embargo por otro, mantiene el texto auténtico de William Shakespeare, con sus diálogos extensos, su rima y métrica de la época y la utilización de palabras del inglés antiguo de la misma forma en la que estaban en la obra original (esto se aprecia, obviamente, en versión original). Apenas cambia los diálogos y son pocas las escenas que se eliminan de la obra de teatro original. Es especialmente chocante y es quizá una de las señas de la película, la mezcla de esa modernidad y ese contexto americano incluyendo el acento, con el uso de palabras y expresiones antiguas. Llama la atención ver a Leonardo DiCaprio y Claire Dance pronunciando el thou* y el thee*(ejemplo en el video siguiente) mientras se expresan en un acento que no se ajusta al típico británico de las obras de Shakespeare.

Pero ese toque de actualidad se ve reflejado de otras muchas maneras a parte del acento americano. La historia está perfectamente fusionada con el entorno (de todas formas Romeo y Julieta siempre ha sido una historia bastante amoldable a los diferentes cambios de años, culturas y lugares) y se adapta a él cambiando ciertos elementos para que no desentonen en el contexto histórico pero que a su vez no se desvíen en exceso de la historia verdadera. Ejemplos: varios cambios significativos como la sustitución de una daga por una pistola, el coro de presentación por una presentadora de informativos; los coches no molestan, forman parte del entorno y se amoldan perfectamente a la historia antigua.

Y el toque magistral a esta producción original y atrevida lo brinda Lurhmann: introduce la música en la historia de forma magnífica sin llegar a convertirlo en un musical y simplemente dejando que entre en escena para dar dinamismo. Recurre a sus técnicas habituales de movimientos bruscos de cámara, travelings rápidos y zooms precipitados, coreografías cuidadoso e irónicas, colores llamativos… todo ello para dar personalidad a la historia mundialmente conocida de Julieta y su Romeo.

*thou y *thee: forma que en el antiguo inglés se utilizaba para la segunda persona del singular.

Phoenix

Con motivo del estreno de La noche es nuestra, protagonizada por Joaquin Phoenix, este modesto blog se decide a publicar una reseña biográfica de este gran actor.
Joaquin Phoenix es probablemente uno de los actores más polifacéticos y con más personajes atormentados del Hollywood actual. Pero es que le encajan a la perfección. Sus ojos dulces y tristes, de un azul intenso, y su semblante afligido y tímido le permiten pasar perfectamente por un hombre enfermizo, asustadizo y maniático. Y la cicatriz de nacimiento de su labio también ayuda a crear esa imagen.

Lo cierto es que Joaquin, nacido Bottom (cambió su apellido por el artístico de su madre), podría ser una de estas estrellas que acaba en las drogas o algo peor. No solo porque su físico y sus personajes parece que le inciten a ello, sino porque su duro pasado no deja indiferente a nadie. Pero este portorriqueño de padre Californiano y madre neoyorkina dista mucho de ser el típico chico malo de Hollywood. De hecho, es casi todo lo contrario.

Joaquin Rafael Bottom nació el 28 de octubre de 1974 (tiene 33 años) en San Juan, Puerto Rico. Desarrolló el español como primera lengua materna, pero, a diferencia de su paisano, el gran Benicio del Toro, ha perdido la mayor parte de sus conocimientos en este idioma. Quizá porque, a diferencia de del Toro, Joaquín nació en la isla por pura casualidad, debido a la labor que sus padres, misioneros de “Children of God”, estaban realizando en ese país. Cuando Joaquín tenía 4 años, la familia Phoenix decidió volver a California. Y fue entonces cuando los niños comenzaron a actuar en diferentes funciones, teatrillos y orquestas.

Y ya entonces Joaquin apuntaba a ser el segundón, el que aparecía de pasada en las series televisivas que tanta fama comenzaban a dar a su hermano. River, así, comenzó los ochenta siendo una de las revelaciones de la década. River crecía, y crecía tanto a nivel de estrella como de actor – con sus dos nominaciones a los Oscars por “Un lugar en ninguna parte” y “Mi Idaho privado”, esta última de Gus Van Sant – mientras su hermano apenas despuntaba en un par de películas y decidía dedicar la mayor parte de su tiempo a viajar por Suramérica con su padre.

El fallecido River Phoenix (1970-1993)

Pero el trágico suceso en torno a la muerte de su hermano llevó a Joaquin, sin realmente quererlo, a primera línea de batalla. Aquel 31 de Octubre de 1993 (Halloween) en el que River sufrió una sobredosis a las puertas del bar, por aquel entonces, de Johnny Depp, The Viper Room, que acabó con su vida. Y, según cuentan las malas (o quizá las buenas) lenguas de Hollywood, en el momento de la sobredosis quien estaba con él era Joaquin, quien llamó a la ambulancia fue Joaquin.
A partir de aquel momento Joaquin entró dentro del circulo de interés para la opinión pública y en las entrevistas de aquella época (y aún hoy en día sigue sucediendo, probablemente sea inevitable) eran constantes las referencias a su hermano fallecido.

Joaquin Phoenix es raro. Y no lo digo yo, que obviamente no lo conozco de nada, sino que todos aquellos periodistas que se cruzan en su camino lo señalan. David Letterman le comentó en una ocasión que “be here in person next time”; osea que para la próxima vez estuviera presente, porque se atolondra, se pone nervioso y en la mayor parte de las ocasiones no logra más que balbucear un par de palabras inconexas. Y lo cierto es que el pobre Joaquin todavía hoy en día se pone nervioso, extremadamente nervioso con cada entrevista que concede. En una ocasión leí, creo recordar que fue por la época que estrenaba Walk the line (En la cuerda floja) que en una entrevista con El País semanal, Joaquin se levantó en medio de la pregunta, o en medio de la respuesta y salió al balcón a fumarse un cigarro dejando a la periodista con un palmo de narices. Y el caso es que él no lo hace con mala intención (en esa entrevista en concreto se veía que Phoenix no había causado una grata impresión).

Está bastante claro que Joaquin es un hombre introvertido y que sus interpretaciones son como una cortina que lo separan de la vida real, de su vida real. Pero desde luego no es un marginado social de Hollywood como, tengo que reconocer, llegué a pensar en su día. Es un gran defensor del medio ambiente y los animales (es vegetariano y siempre ha rechazado usar prendas de piel de animal para sus personajes. Incluso su vestimenta de Cómodo, en Gladiator, tuvo que ser confeccionada especialmente para él para que no llevara nada animal) y este activismo lo comparte con uno de sus mejores amigos a la vez que cuñado; Casey Affleck. Casey y Joaquin probablemente han tenido en común no solo la interpretación y la defensa de los animales, sino el ser los hermanos pequeños de las grandes estrellas que sus hermanos mayores eran y son. Y precisamente fue Joaquin el que le presentó a Casey a su hermana Summer, la que más tarde se convertiría en su mujer y madre de sus hijos. Su amistad también es compartida con otras estrellas de Hollywood como Matt Dillon, Vince Vaugh, o el recientemente fallecido, Heath Ledger.

Casey Affleck y Summer Phoenix

En cuanto a temas de amor, Joaquin es aún más reservado. No se conoce prácticamente nada de su vida privada ni de sus amores. De hecho, a lo largo de su carrera (que hay que recordar que comenzó cuando era muy pequeñito) tan solo se le ha conocido una novia; nada más y nada menos que Liv Tyler (en la foto), hija de Steven Tyler, cantante de Aerosmith. Con ella coincidió en la película El secreto de los Abbott, de 1997 y con ella estuvo 3 años. Pero el hecho de que no se le conozca novia no quiere decir que no la tenga. En una entrevista concedida al USA WEEKEND en 2002, tanto él mismo como su manager, Iris Burton, reconocen que Joaquin estaba (o quizá sigue estando) enamorado. Pero al momento en el que se le pregunta de quién, él contesta:

"I can say, but I'd rather not. She's not an actress."

[“Lo podría decir, pero no lo diré. No es una actriz”]

Total, que nos quedamos sin saber quién es. Porque Joaquin no es un hombre que se exhiba. Ni mucho ni poco, no se exhibe nada. Y cuando tiene que ir a algún acto (por ejemplo, alguna presentación de película o la gala de premios) siempre va acompañado de su madre, al estilo de Clint Eastwood con la suya.

Y así ahora nos encontramos con un Joaquin maduro y querido por la audiencia y crítica, que aunque todavía se le hace difícil las conversaciones con los periodistas, estos le respetan. Ha conseguido lo que en vida no consiguió su hermano; respeto por parte de la prensa. Los medios de comunicación no tuvieron ningún tipo de problema en sacar los trapos sucios de River y en su momento seguro que buscaron los de Joaquin. Pero no los había. Y no los hay, porque como ya he dicho, Joaquin no es precisamente un chico malo. Raro, si, pero inofensivo.

Joaquin ya ha conseguido la autonomía que tanto se merecía. Hubo un tiempo, antes y después de aquel fatídico día, en el que Joaquin simplemente era conocido como “el hermano de…”. Ahora se ha ganado con méritos propios el honor de poder hablar de Phoenix sin que irremediablemente se le asocie a River.
“It's a bad idea for actors to grow accustomed to seeing themselves on camera, because inevitably you start doing things and become too self-conscious. The only way to prevent it is by not being aware of yourself in that way or at least trying not to be”.

Es muy mala idea para los actores crecer acostumbrándose a verse a uno mismo en la cámara, porque inevitablemente empiezas a hacer cosas y a creértelo. La única manera para prevenir esto es no darte cuenta de ti mismo en ese sentido (en la actuación) o al menos intentarlo.

Entrevista del USA WEEKEND (2002):

http://www.usaweekend.com/02_issues/020728/020728joaquin.html

Entrevistas en Youtube:

http://es.youtube.com/watch?v=PFbiNwrBILU

Trailer de “La noche es nuestra”:

http://es.youtube.com/watch?v=6ugjb0wQ7DY

Los falsificadores

A lo largo de mi corta trayectoria cinematográfica no me he topado con demasiadas películas europeas y he visto más bien pocas. Dejando aparte las españolas, las que más he consumido con ventaja, pero sin casi darme cuenta, (por eso de que hay que fijarse muy mucho para ver que no son Americanas: a fin de cuentas están también en inglés) son las británicas (Full Monty, Shakespeare in love, Love actually, La Reina y un largo etcétera) seguidas con algo de distancia por las francesas (Amelié, Persépolis, Los chicos del coro) y alguna que otra italiana (La vida es bella).

Pero nunca me había acercado al cine austriaco. Por ello, en parte, era por lo que tenía ganas de ver Los Falsificadores y comprobar qué tal es el cine de Austria, con coproducción alemana. Y ya, ya sé que una película no hace al conjunto del séptimo arte del país, pero Los Falsificadores merece la pena. Y merece el Oscar que ha ganado a la mejor película extranjera.

La película, dirigida por Stefan Ruzowitzky y protagonizada por el desconocido en el resto del mundo, Karl Markovics narra la historia real, como su propio nombre indica, de los falsificadores de billetes (por obligación) que reclutó el régimen nazi durante la Segunda Guerra Mundial para sabotear la economía británica y americana.

Esta es la historia de Salomón Sorowitsch, un dibujante judío que es apresado por las tropas nazis y llevado a un campo de concentración donde se convierte en el jefe y responsable de la mayor falsificación de dinero de la Historia. El pobre hombre comienza como puede, ganándose el favor de los nazis carceleros pintando para ellos y consigue subir posiciones y tener cada vez más privilegios en un entorno en el que ser judío te daba prácticamente billete para el otro barrio.

Mediante un gran flashback que ocupa toda la película el espectador asiste a la vida de este personaje antes y después del campo de concentración. Comienza viendo en lo que se convierte y poco a poco se va entendiendo su frialdad, su desgana hacia el mundo.

Una de las grandes bazas de la película es su protagonista, Karl Markovics, un actor austriaco que interpreta la frialdad en persona, las ganas de vivir y sobrevivir. Salomon Sorowitsch (pronúnciese Só-ro-bich) es un hombre reservado y trabajador que prefiere no meterse en problemas y por eso decide acatar las normas de los nazis, sin rechistar.

Por eso la contraposición a este personaje es otro que llamó mucho mi atención y para mí es una de las grandes cosas de la película; Burger, interpretado por August Diehl, un hombre valiente que desde el principio da la lata, no solo a los nazis sino también al propio Sorowitsch.

Quizá la gracia de Los Falsificadores está en que es una historia que sucede en un entorno bastante explotado por el cine (el régimen nazi, los campos de concentración) pero desviándolo hacia un punto en el que no muestra lo que el resto enseña, lo que el resto casi está obligado a enseñar, que son los horrores de la guerra, las atrocidades cometidas por los nazis. En Los Falsificadores vemos a los privilegiados de los campos de concentración y como se frustran y tienen una lucha interna por eso mismo, por ser los privilegiados y sentir que están ayudando con su aportación a la falsificación de dinero a que el régimen que comete esas atrocidades se expanda.

Esta es una película sencilla, sin grandes presupuestos, se nota básicamente en su puesta en escena, ya que no derrochan en exteriores y básicamente la segunda mitad de la película se podría decir que es absolutamente íntegra en los interiores del taller y las habitaciones de los presos.

[SPOILER] Quizá muchos digan que ya está muy vista, que no nos aporta nada nuevo y que no hacía falta, pero encuentro muy tierna y sobrecogedora las últimas escenas del campo de concentración, cuando los “otros presos”, es decir, aquellos que no tenían privilegio, se reúnen con el grupo de Falsificadores, cuando estos les enseñan sus habitaciones con sábanas blancas y les cuentan cómo planearon el sabotaje. Esa diferencia entre los más o menos bien alimentados y los desnutridos, casi cadáveres ambulantes. [FIN DEL SPOILER]

Lo mejor: el argumento, los personajes

Lo peor: los movimientos de cámara, la puesta en escena, que en ocasiones ahoga

Nota: 8

Una historia en dos pelis

A veces me da la sensación de que me desvinculo exageradamente del cine después de la entrega de los Oscars. Parece que ya no me importa el cine después de esa fecha. Y no, tampoco es eso, es quizá solo que las películas… bueno, en estas fechas generalmente llegan las películas de peor calidad, y eso afecta.

Pero por suerte siguen existiendo noticias sobre cine...

La última entrega de Harry Potter se dividirá en dos películas

El último libro de Harry Potter, deadly hallows, que salió en inglés el pasado julio pasará a convertirse en dos películas, dividiendo así la historia. Según ha confirmado la Warner Bros. y según anuncia Premiere la primera parte se estrenará en Noviembre de 2010 y en Mayo del año siguiente saldrá la segunda parte. La película la dirigirá el mismo que se encargó de la quinta película y que está trabajando en la sexta entrega (Harry Potter and the half blood prince). La duda está ahora en cómo dividirán la historia.

Personalmente no veo sentido a dividir la película en dos entregas. ¿Por qué ésta y no otras, por qué esta y no todas? Todas las demás han sufrido graves y duros cortes (es especialmente significativo la quinta película, donde se comen una parte muy importante de la historia, como es el pensadero de Snape). Pero entonces, ¿Qué tiene de especial la 7ª para que tenga derecho a tener más minutos en pantalla? ¿Qué es la última? En fin, que Rowling quiere acabar bien las películas...